Поп-арт – искусство, вдохновленное массовой культурой

Историческая справка

Поп-арт начался в середине 20-ого века с нью-йоркских художников Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна, Джеймса Розенквиста и Класа Ольденбурга, все из которых так или иначе привлекали в свои произведения образы из поп-культуры. После популярности абстрактных экспрессионистов поп-арт со своими идеями, взятыми из средств массовой информации и народной культуры, стал серьезным сдвигом в модернизме. Этот стиль очень отдалился от традиционных «высоко художественных» тем морали, мифологии и классической истории. Напротив, художники изображают обыденные предметы и людей повседневной жизни, тем самым стремясь поднять популярную культуру до уровня высокого изобразительного искусства. Возможно, благодаря многократному включению коммерческих образов, поп-арт стал одним из самых узнаваемых стилей современного искусства.

pop_art_iskusstvo_vdohnovlennoe_massovoy_kulturoy

Ключевые идеи

Создавая картины или скульптуры объектов массовой культуры и звезд СМИ, движение поп-арт стремилось размыть границы между «высоким» искусством и «низкой» культурой. Понимание того, что не существует никакой иерархии культуры и что искусство может быть заимствовано из любого источника, как раз и являлось ключевой идеей поп-арта.

Можно утверждать, что абстрактные экспрессионисты искали травму в душе, в то время как приверженцы поп-арта искали следы той же травмы в опосредованном мире рекламы, мультфильмов и популярных образов в целом. Но, пожалуй, даже точнее будет сказать, что поп-арт художники первыми признали, что нет никакого прямого доступа ни к чему: будь то душа, мир природы или построенная среда. Они считали, что все взаимосвязано и поэтому стремились сделать эти связи буквальными в своих произведениях.

Хотя поп-арт включает в себя широкий спектр работ с очень разным мироощущениям и настроением, в целом о нем можно сказать, что это эмоционально абстагированное искусство. В отличие от «горячего» самовыражения жестикуляционной абстракции, которая предшествовала ему, поп-арт обычно «хладнокровно» амбивалентен.

Поп-арт художников, по-видимому, взрастило обильное послевоенное американское производство и медиа-бум. Некоторые критики интерпретировали выбор образов поп-арта как восторженное одобрение капиталистического рынка и товаров, которые он распространял, в то время как другие критиковали за возвышение элементов повседневности до высокого искусства.

Большинство художников поп-музыки начали свою карьеру в области коммерческого искусства: Энди Уорхол был очень успешным журнальным иллюстратором и графическим дизайнером, Эд Русча также был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начал свою карьеру в качестве дизайнера рекламного плаката. Этот бекграунд в мире коммерческого искусства обучил их визуальной лексике массовой культуры, а также методам плавного слияния царств высокого искусства и популярной культуры.

Великобритания: Независимая группа

В 1952 году собрание художников в Лондоне, называющее себя Независимой группой, регулярно встречалось для обсуждения таких тем, как место массовой культуры в изобразительном искусстве, науке и технике. Среди участников были Эдуардо Паолоцци, Ричард Гамильтон, архитекторы Элисон и Питер Смитсон, а также критики Лоуренс Дилей и Рейнер Банхам. Британия в начале 1950-х годов все еще переживала аскетизм послевоенных лет, а ее граждане были неоднозначного мнения об американской популярной культуре. Тем не менее группа с энтузиазмом относилась к богатой мировой поп-культуре, которая, казалось, сулила хорошее будущее. Образы, которые они подробно обсуждали, попадались в западных фильмах, научной фантастике, комиксах, рекламных щитах, автомобильном дизайне и рок-н-ролльной музыке.

Э. Паолоцци, «Я была игрушкой богатого человека», 1947 г.

pop_art_iskusstvo_vdohnovlennoe_massovoy_kulturoy

Фактический термин «Поп-арт» имеет несколько возможных истоков: первое использование этого термина в письменной форме было приписано как Лоуренс-Дилей, так и Элисон и Питер Смитсон, а также Ричарду Гамильтону, который дал определение этому слову на письме, в то время как первое произведение искусства с собственно содержанием слова «Поп» было создано Паолоцци. Его коллаж «Я была игрушкой богатого человека» (1947) содержит вырезанные изображения девушки-пин-ап, логотипа Coca-Cola, вишневого пирога, истребителя Второй мировой войны и руки человека с пистолетом, из которого вылетает слово “POP!” в плюшевом белом облаке.

Ричард Гамильтон, Эдуардо Паолоцци и табличные поп-арт изображения

Поп-арт коллажи Паолоцци и Гамильтона как раз передают эти смешанные чувства европейцев к американской популярной культуре: возвеличивание серийных объектов и изображений и одновременную критику их избытка. В своем коллаже “Что же это делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?” (1956), Гамильтон объединил образы из различных источников средств массовой информации, тщательно подбирая каждое изображение и составляя разрозненные элементы популярных образов в единый обзор потребительской культуры после войны.

Р. Гамильтон, “Что же это делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?”, 1956 г.

pop_art_iskusstvo_vdohnovlennoe_massovoy_kulturoy

Рой Лихтенштейн и бумажная культура

Р. Лихтенштейн, «Поцелуй», 1962 г.

pop_art_iskusstvo_vdohnovlennoe_massovoy_kulturoy

Лихтенштейн доказал, что способен создавать серьезные произведения, хотя они и базируются на комиксах. Он использовал методы, используемые для создания изображений в комиксах, и для создания своих картин. Он не только перенял те же яркие цвета и четкие очертания, как иллюстрации из комиксов, его самым инновационным вкладом было использование “Ben-Day dots» — таких характерных маленьких точек, используемых для визуализации цвета в популярных комиксах. Несмотря на то, что Лихтенштейн сосредоточился только на комиксо подобных изображениях, его полотна не являлись точным факсимилем, а скорее были творческим реинжинирингом художника, в котором некоторые элементы могут быть добавлены или устранены, масштаб может сдвинуться, а текст может быть отредактирован. Своей ручной росписью, обычно создаваемой машиной, и воссозданием сцен комиксов Лихтенштейн размыл различие между массовым воспроизведением и высоким искусством.

Р. Лихтенштейн, «Девушка в зеркале», 1964 г.

pop_art_iskusstvo_vdohnovlennoe_massovoy_kulturoy

Джеймс Розенквист и монументальный образ

Д. Розенквист, «Звездный вор»

pop_art_iskusstvo_vdohnovlennoe_massovoy_kulturoy

Розенквист также непосредственно вовлек изображения из популярной культуры в свои картины. Однако, вместо того, чтобы создавать тиражи копий, Розенквист увлекался сюрреалистическими сопоставлениями продуктов и знаменитостей, часто дополняя работы политическими сообщениями. В рамках своего метода Розенквист собирал вырезки журналов, рекламных объявлений и фотографий, а затем использовал результаты в качестве вдохновения для его финального творчества. Навыки Розенквиста в создании афиш прекрасно пригождались ему в реалистичных изображениях этих коллажей, увеличенных до монументальных масштабов. Своими работами до 6 метров и более Розенквист как бы напитал обыденное тем же статусом, который ранее был зарезервирован лишь за предметами высокого искусства.

Д. Розенквист, «F-111», 1965 г.

pop_art_iskusstvo_vdohnovlennoe_massovoy_kulturoy

Энди Уорхол и многократное повторение

Э. Уорхол, «Банки с супом Кэмпбелл», 1962 г.

pop_art_iskusstvo_vdohnovlennoe_massovoy_kulturoy

Энди Уорхол известен своими яркими портретами знаменитостей, однако предмет его работ широко варьировался на протяжении всей его карьеры. Общим для всех его произведений является то, что они вдохновены массовой культурой потребления. В его ранних работах изображены такие предметы, как бутылки Coca-Cola и суп-банки Кэмпбелла, воспроизведенные до бесконечности, как будто стена галереи была полкой в супермаркете. Уорхол перешел от ручной росписи к трафаретной печати для дальнейшего облегчения крупномасштабного тиражирования поп-изображений. Настойчивость Уорхола в механическом воспроизведении отвергла представления о художественной аутентичности и гении. Вместо этого он признал коммодификацию искусства, доказывая, что картины ничем не отличаются от банок супа Кэмпбелл: оба имеют материальную ценность и могут быть куплены и проданы как товары народного потребления. Он также приравнял знаменитостей к массовым товарам народного потребления в портретах, таких как “Мэрилин Диптих” (1962).

Э. Уорхол, “Мэрилин Диптих”, 1962 г.

pop_art_iskusstvo_vdohnovlennoe_massovoy_kulturoy

Клас Ольденбург и поп-скульптура

К. Ольденбург, мягкая скульптура из папье-маше

pop_art_iskusstvo_vdohnovlennoe_massovoy_kulturoy

Известный своими монументальными публичными скульптурами бытовых предметов и «мягкими» скульптурами, Клас Ольденбург начал свою карьеру с гораздо меньших масштабов. В 1961 году он арендовал витрину в Нью-Йорке в течение месяца, где он установил и продал свою проволочную и гипсовую скульптуру из обыденных предметов, начиная от пирожных и заканчивая мужским и женским нижним бельем, которую он назвал The Store. Ольденбург взимал номинальную плату за каждый отдельный элемент, что подчеркивало его мнение о роли искусства как товара. Далее он начинает создавать свои мягкие скульптуры: большие повседневные предметы из ткани и набивки, такие как кусочек торта, конус мороженого или миксер. Ольденбург продолжал сосредотачиваться на обычных вещах на протяжении всей своей карьеры, переходя от мягких скульптур к масштабному публичному искусству. Одной из наиболее известных его работ является «Прищепка» высотой 45 футов (1974) в центре Филадельфии.

К. Ольденбург, скульптура «Прищепка», Филадельфия (слева), скульптура «Огрызок» (справа)

pop_art_iskusstvo_vdohnovlennoe_massovoy_kulturoy

Независимо от масштабов, работа Ольденбурга всегда содержит игривое отношение к воссозданию обыденных вещей нетрадиционным способом, чтобы оправдать ожидания зрителя.



Вам также может быть интересно: